Hemos tenido el grandísimo placer de tomarnos un café con Carmela Tello, ceramista castellonense con una larga trayectoria, que nos ha conquistado tanto por su obra como por su persona. Gracias por tu colaboración y te deseamos la mejor de las suertes en todos tus proyectos.

P.- Como castellonense, ¿qué se siente al recibir el premio ‘Ciutat de Castelló?

R. Recibir un premio siempre es una motivación para seguir adelante. Cuando además es el que otorga tu ciudad, aún lo aprecias más.

Como es un premio que tenía ganas de ganar por ser de Castellón, ya había optado anteriormente, quedando entre los finalistas en varias ocasiones. O sea que he sentido una gran alegría.

P. No ha sido su primer premio, ya que anteriormente han habido otros, ¿cuál ha sido el galardón más significativo?

R. Sin duda alguna éste. Estamos en la tierra de la cerámica, es un concurso para ceramistas, es mi ciudad y ganarlo ha sido una gran satisfacción.
Por las mismas razones, también he valorado mucho el premio de la Diputación de Castellón de escultura cerámica del 2018, que también he ganado.

Por otro lado, gané el concurso de instalaciones en CERCO 2016, en Zaragoza, que supuso un reto por el gran formato de mi obra “VAIVÉN, que incluía 1.278 botellas de vino y 113 piezas cerámicas. Fue una gran experiencia.

P. Cuando la lejanía me pareció cercana’, así has bautizado tu obra. ¿Responde a algún aspecto o etapa de tu vida reciente? ¿Por qué ese nombre?

R. Pues tiene un doble significado. Por un lado cuando estaba realizando la obra, tenía la posibilidad de mirar a la lejanía, mientras que mi trabajo lo tenía entre mis manos.

Por otro, en esta etapa de la vida tengo a muchos seres queridos muy lejos, pero a la vez estamos en contacto permanente, lo cual nos acerca en el día a día.
Eso se ve representado por las líneas paralelas y largas que suben hacia la lejanía, pero que acaban todas en un punto, en el más alto y por tanto más cercano a mí. La irregularidad y la profundidad de las formas, acentúan esa sensación de lejanía y a la vez proximidad.

P.-El jurado ha calificado la obra de “original” y de “impactante belleza”. ¿Añadiría algo más?

R. Ha sido muy grato para mí que hayan dicho esto de la obra.

Era el comienzo de una nueva línea de trabajo, por tanto la he realizado con mucho cariño. Además he necesitado paciencia y mucha concentración, y el resultado ha sido precisamente lo que esperaba.
Me alegró mucho conocer estos comentarios porque además el jurado era muy cualificado y por tanto valoro mucho estas opiniones.

P. – ¿Cuándo y cómo empezó tu carrera como ceramista?

R. Tuve que dejar mi trabajo de formación científica cuando por motivos familiares nos fuimos a vivir a Francia varios años.

Cuando regresamos, necesitaba dar un giro a mi carrera, y me matriculé en el ciclo de cerámica de la “Escola d’Art y Diseny” de Castellón. Descubrí que la cerámica era para mí una pasión y desde entonces no he dejado de trabajar con el barro. De esto hace ya 15 años, y espero seguir disfrutando muchos más

P.- ¿Qué materiales sueles utilizar en tus obras?

R.Trabajo con dos materiales principalmente, gres y porcelana. Por tanto cuezo a alta temperatura.
Y como muchas veces utilizo moldes, también uso porcelana de colada, que en muchas ocasiones coloreo con pigmentos obteniendo los objetos ya coloreados. Por supuesto no hay que olvidar la importancia de los esmaltes, que son los que dan el toque final a las piezas.

Por otro lado como me gusta hacer instalaciones cerámicas, combino este material con otros procedentes de reciclado como varillas de hierro, alambres, botellas de vidrio, telas, ramas…

Pero soy muy versátil, y también hago joyería, colgantes de porcelanas coloreadas, cerámica utilitaria, elementos decorativos, trofeos…

P. – ¿Ya hay nuevos proyectos en mente?
R. En estos momentos estoy investigando para realizar dos obras diferentes para dos concursos. Porque antes de realizar un proyecto, siempre hay un trabajo de preparación.

Busco qué técnica de trabajo va a ser la adecuada para mis piezas, que tipo de gres o material va a ser mejor, cual es el tamaño en el que la pieza va a funcionar visualmente, que acabado va a realzarla, como presentarla para darle más valor, y un sinfín de cosas pequeñas que hacen que al final el resultado sea el que yo espero.

¡Ya veréis el resultado cuando las acabe!

El barcelonés ha propuesto para la ocasión una exposición colectiva que, con el título de “Los sujetos”, presentará trabajos de Francesc Ruiz, Pepo Salazar y el dúo formado por Helena Cabello y Ana Carceller.

¿Por qué has optado por una propuesta colectiva para nuestro Pabellón y qué pistas nos da sobre la muestra el título de “Los sujetos”?

Creo que es importante romper el ritmo. Estábamos algo acostumbrados en las últimas ediciones a propuestas individuales, aunque con tipos de proyectos muy diferentes entre sí. En esta edición hacemos un cambio importante en lo que refiere no únicamente en el número de participantes sino también la concepción temporal del propio Pabellón. Tres propuestas artísticas en presente y un hálito que aparece y sirve como link entre pasado y actualidad. También se busca, de algún modo, un cambio en la recepción del pabellón. Seguramente va más de descubrir que de reconocer, va más de ofrecer un contacto digamos sensual que una afirmación. Y va de potencia, de posicionamientos fuertes.

“Los Sujetos”: bien, el título es bastante indicativo. Se trata de puntos de partida, se trata de opciones en las que se definen lenguajes de activación, se trata de asumir cierta responsabilidad en la construcción común desde lo particular. Sujetos fuertes, asumiendo la duda -también- como material lingüístico en el trabajo artístico. Aún estamos en la construcción política del sujeto y creo que es algo clave en un contexto de crisis como el actual.

Ya en “Contarlo todo sin saber cómo”, en el CA2M, propusiste una suerte de exposición sin exposición, con una novela protagonizada por los artistas participantes como catálogo. En esta ocasión, ¿cómo se hará presente Dalí en una muestra sin obra suya? ¿Qué tipo de acercamiento a su personalidad plantearán Cabello y Carceller, Francesc Ruiz y Pepo Salazar?
Dalí es un tono, es un marcador, es un sistema de entrada, es una base. Me apasiona la creación de sujeto público-privado en Dalí. Alguien que sabe muy bien qué tipo de imagen pública debe ofrecer. Una imagen no plana, una construcción en capas. Y hay varios temas que intentaremos destacar, temas que a lo mejor han sido ensombrecidos por la potencia comercial de la obra de Dalí. No tendremos obra, tendremos miradas al sujeto. Y Cabello/Carceller, Francesc Ruiz y Pepo Salazar no van a realizar necesariamente un trabajo sobre o a partir de Dalí. Son ellos y es su trabajo, pero hay algunas conexiones y links que nos sirven para -también- tejer otra historia del arte contemporáneo. Allí estarán, pero sería algo estúpido pedir a los artistas que “ilustraran” algo. Y menos en Venecia. En Venecia lo importante son los artistas y la potencia de su trabajo, la Bienal tiene una función clarísima en el entramado artístico internacional. La idea es tejer algo así como un discurso basado en saltos en el tiempo pero siendo conscientes de cada posición.

En esta edición hacemos un cambio importante en lo que refiere a la concepción temporal del Pabellón. Tres propuestas artísticas en presente y un hálito que aparece y sirve como link entre pasado y actualidad.

 

¿Qué papel tendrá el formato entrevista en “Los sujetos”?

Me gusta pensar en las distintas aproximaciones y usos de las exposiciones. Meter entrevistas en una exposición, y en este caso en el pabellón, permite ofrecer otro tipo de contacto con los contenidos. No es lo mismo leer un texto que ver a alguien hablar sobre un tema. Hay algo de proximidad en la entrevista que la acerca a ese tipo de tono de cuidado, en el que te estás acercando a quien quiera acercarse. Y es Venecia, con lo que el tipo de consumo de la exposición es muy particular, tienes que encontrar un primer contacto. Las entrevistas son una vía para ello, así como son una vía para manifestar el tipo de aproximación que queremos hacer al sujeto Dalí, a las miradas sobre el sujeto. Bueno, ya veremos cómo salen. También aquí hay riesgo, que es algo que me interesa.

Suponemos que esperas la pregunta: en tu opinión, ¿qué función deben desempeñar los pabellones nacionales en el contexto de la Biennale?

Lo que está clarísimo es la función que los pabellones nacionales desempeñan en Venecia. No sé si es la que “deben” desempeñar pero son muchos años y una tradición que conlleva que hay una base con la que trabajar. Es representación a máximo nivel, es visibilidad para trabajos artísticos, es generar interés internacional. Y hay una enorme cantidad de público, no nos olvidemos. Público primero profesional y después general. Y en paralelo está la percepción “local” en cada país de origen. Lo que pasa en Venecia afecta y mucho en los distintos contextos artísticos locales o nacionales. Nosotros tenemos una bonita tradición destructiva común que implica que en Venecia básicamente vas a recibir de todos lados, también es importante asumirlo antes de empezar. Podemos hacer ajustes o desajustes, pero es clave reconocer el contexto en el que te metes o estás perdido.

Por las noticias que tienes, ¿a qué otros pabellones de la Biennale nos recomiendas prestar atención?

En Venecia hay dos tipos de pabellones: los celebrativos y los de descubrimento. Si vamos a reconocer nos perdemos la segunda opción, así que en el momento actual no puedo descartar nada. En momentos de visita en una bienal tienes que estar muy atento y abierto a la sorpresa, también las informaciones previas o las directrices pueden conllevar que pierdas la capacidad crítica en la recepción, con lo mejor estar algo distanciado de las listas de lo que se tiene que ver… aunque todo se andará, se define de un modo informal e in situ.

¿Puedes hablarnos de tus próximos proyectos? ¿Qué repercusiones esperas que este comisariado del Pabellón español tenga en tu carrera?

Ni idea. Soy freelance. Trabajo en presente y no soy demasiado bueno haciendo planes futuros. Ya me encantaría tener una buena táctica, pero me meto “demasiado” en cada proyecto cuando estos están sucediendo como para estar en el siguiente paso. Creo que mis hijos en algún momento me lo echarán en cara, ya que evidentemente trabajar como freelance implica un enorme factor de inseguridad.

¿Podrías recomendarnos cuatro o cinco artistas jóvenes a los que seguir la pista? ¿y algunas publicaciones sobre crítica y comisariado que te resulten especialmente interesantes?

La etiqueta de “joven” en los artistas empieza a preocuparme. No consideraríamos a Tino Sehgal como joven aunque algunos le podrían meter en este saco. No lo sé, así a bote pronto: Regina de Miguel, Teresa Solar, Rubén Grilo, Alex Reynolds, Ana García Pineda, David Bestué, Núria Güell… pero no es una lista pensada, podría seguir con veinte nombres más y sería igual de injusto. Respecto a publicaciones sobre crítica y comisariado: Me apasiona la escritura de Chris Kraus, me gusta el estilo de Dave Hickey, vuelvo de vez en cuando a un libro de Pavel Büchler de 1999, “Chronology” de Daniel Birnbaum es fascinante, Dorothea von Hantelmann ha dado en el clavo al acercar Butler y Austin desde el arte contemporáneo, Nina Möntmann abrió un campo en lo institucional, Peio Aguirre es una de las voces propias que mejor mezclan la crítica desde lo emocional y la teoría “fría”… y después tenemos el campo literario con su metacrítica: Michael Cuningham, Siri Hustvedt, Enrique Vila-Matas, William Gaddis…

Visto en: masdearte.com

Entrevista a María Inés Rodríguez, directora del Foro de Artistas de ARCO, por cuestiones como la proyección internacional del arte colombiano.

¿Por qué el arte colombiano está de moda?

El arte colombiano no está de moda, está probablemente en un momento importante de mayor visibilidad. La escena artística colombiana siempre ha sido dinámica. Basta recordar grupos emblemáticos como el Sindicato de Barranquilla en los años setenta, o para venir más cerca, Elena producciones, un grupo de jóvenes de Cali que lidera uno de los festivales de performance más pertinentes del continente. Las modas pasan, lo importante es la “eternidad en el instante”, como diría Baudelaire.

¿Dónde sitúas el punto de inflexión a partir del cual se hace más visible?

La situación general de Colombia a nivel de orden público, económico y social ha cambiado en los últimos años.

Evidentemente, esto influye en el mercado del arte y en la imagen diferente que el país puede proyectar después de un largo periodo de guerra y dolor. En el imaginario de muchos colombianos, y en general, sigue siendo un país peligroso, por eso causa tanta sorpresa descubrir de repente un país con una realidad cultural importante que nunca se detuvo. Que muy probablemente gracias a su existencia nos permitió sobrevivir y encontrar nuevas formas de convivir.Has ocupado cargos como Conservadora Jefe en el MUAC, el MUSAC, y ahora la dirección del CAPC de Burdeos.

¿Has llevado a cabo una misma línea de trabajo en todos ellos, aunque por sus propias características cada centro requiera diferentes medidas y proyectos?

Cada lugar tiene una especificidad. Cada institución pertenece a un contexto económico, político, social y cultural diferente, lo que implica a su vez audiencias diversas. Para cada lugar el proyecto desarrollado ha tenido en cuenta esos elementos. El CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux es un museo con una colección de gran importancia a nivel internacional y con un pasado relevante: grandes exposiciones; hoy históricas o míticas, ocurrieron allí (Daniel Buren, Richard Serra, Louise Bourgeois, para citar solo algunas). Nuestro reto es continuar con la excelencia de las exposiciones y la producción de proyectos específicos para la nave central y crear un centro de investigación internacional.

Francia está entre los países de Europa que tienen el IVA cultural más bajo, muy por debajo del 21% de España. ¿En qué influye una medida como esta en el desarrollo cultural de una sociedad?

España ha desarrollado proyectos de gran importancia. Desafortunadamente en los últimos años se ha dejado la cultura en un casi quinto plano, quizás pensando que no es un bien esencial para los ciudadanos. En Francia, como en la mayoría de los países, la economía nos afecta fuertemente pero el lugar que ocupa la cultura sigue siendo el mismo. Todos luchamos por defender su lugar y no dejar que este se pierda. Evidentemente, el IVA pone en dificultad el sector y no estimula su desarrollo.

Diriges en esta edición de la feria un nuevo Foro de artistas. ¿Cuál es el objetivo y el planteamiento de estas charlas?

Esta idea surgió el año pasado y estamos en su segunda edición.

Gracias a la invitación de Carlos Urroz de encontrar otro formato para estos encuentros pensé que tener a los artistas podría permitirnos conocer la obra desde su propio punto de vista. Hablar de las referencias, de los métodos de trabajo y sobre todo intentar crear lazos y tejer relaciones entre los diferentes artistas invitados, tres en cada sesión.

Entre los participantes estará Carolina Caycedo, una joven artista que encontramos también en la selección hecha por Juan Andrés Gaitán para #ArcoColombia.

¿Qué crees que será lo que más atraiga al público de la apuesta de Gaitán?

Carolina Caycedo es una artista que he acompañado durante varios años y he podido ver en diferentes momentos. En esta ocasión me interesa mucho generar un diálogo con otros dos artistas que comparten con ella una idea de lo político y la importancia de ser testigos pero también actores de su tiempo.

El arte colombiano no está de moda, está probablemente en un momento importante de mayor visibilidad

La propuesta de Juan Gaitán presenta una selección de artistas con un trabajo pertinente y en eco a los cambios ocurridos en Colombia y en el mundo en los últimos años. Nombres nuevos y otros más conocidos que hacen de esta selección un espacio amplio y dinámico para entender un poco mejor por qué la escena colombiana pasa por un momento fundamental.

El programa de exposiciones paralelo a ARCO es de los más ambiciosos que ha llevado a cabo hasta la fecha un país invitado a la feria. Si tuvieras que recomendar, por ejemplo, tres de ellas que de manera general permitan tener una visión global de lo que se está produciendo en la escena artística colombiana actual, ¿cuáles serían?

La exposición de Felipe Arturo, uno de los jóvenes artistas más interesantes del momento. La retrospectiva de Luis Ospina, un cineasta sin igual, en el Reina Sofía.

Y, a manera diría casi de publicidad, José Antonio Suárez, en La Casa Encendida, exposición en la que colaboramos y que llevaremos al CAPC de Bordeaux en el mes de mayo. Es un artista extraordinario que decidió hace mucho años dedicarse al dibujo; toda su obra gira alrededor de lo que ve y plasma en el dibujo.

También recomiendo la charla con Beatriz González porque es la gran artista de los últimos cincuenta años, maestra y persona clave para generaciones de artistas.

Visto en: masdearte.com

1. ¿Cómo empezó Maria Griñó su aventura en el arte?

Es bastante largo de explicar. Resumiendo te diré, que se dieron unas circunstancias muy especiales en mi vida que fueron las que me influyeron para que empezara con la pintura. Esto sucedía en 2007, y en 2008 ya estaba exponiendo en algunas galerías de arte, lo que ocasionó que esta actividad, que había empezado como un hobby, unos meses antes, se convirtiera en algo profesional.

1. Su estilo tan personal y reconocible, ¿viene inspirado por algo? ¿por qué la mujer? ¿qué simboliza?

En el momento en que empecé a pintar, tenía muy claro que si quería llegar a destacar en este campo tenía que diferenciarme del resto: ‘para hacer lo que hacen los demás, ya están los demás’. Por ello, empecé intentando buscar formas que pudieran ser reconocibles y generarme un estilo personal. Tal como avanzaba, iba viendo que todos los años en que me había dedicado al diseño gráfico, quedaban reflejados en la manera de realizar mis obras. También descubrí, un par de años después, que mi obra era prácticamente autobiográfica. Los más de 25 años trabajando en empresas privadas donde los comportamientos machistas eran habituales y donde no podía decir todo lo que pensaba, hacía que la mayoría de mis ideas quedaran en mi cabeza por indicaciones de un jefe (hombre) y, eso, se reflejaba en las bocas pequeñas de mis mujeres y en los cabellos enmarañados, tan llenos de grafismos que simbolizan todo aquello que queda en sus cabezas, pero no llegan a decir.

1. ¿Hay alguna obra que sea para usted más importante que las demás? ¿por qué?

Tengo varias obras que ocupan un lugar relevante. Son obras que en el momento de hacerlas supusieron un avance, un cambio o una evolución en mi obra.

1. ¿Cómo influyó su padre en su obra?

Muchísimo. Aunque yo empecé a pintar tras su fallecimiento, todos los años siguiendo su trabajo dejaron una huella que sigue formando parte de mis obras y de mi manera de actuar.

1. ¿Qué técnicas artísticas son las más utilizadas por usted a la hora de realizar una obra?

Utilizo acrílicos para pintar sobre lienzo o madera. En ocasiones mezclo esta técnica con tintas para crear diferentes efectos. Para pintar sobre papel o cartón, me sirvo de: acuarelas, grafito, sanguina, carboncillo, tinta…. todo lo que me pueda ayudar a conseguir el acabado que quiero.

En cambio, cuando ilustro un cuento, el trabajo empieza siendo manual y acaba de forma digital, en el ordenador.

1. Sabemos de su versatilidad en cuanto a trabajos, desde cartelería, ilustración infantil, diseño de etiquetas para vino, etc. ¿Hay algo que le quede por probar?¿alguna espinita por quitar?

Todavía me quedan muchas cosas por probar. Me gustaría hacer algunos diseños para el campo textil y de papelería. Aunque he probado en casi todo lo que me gustaba, siempre me ha quedado la espinita de haber dibujado una historieta de cómic como “dios manda”. Dibujé algunas historias de cómic cuando era joven pero nunca fui bastante buena en ese campo como para pensar en dedicarme a ello de manera profesional.

1. ¿Dónde podemos ver su obra actualmente?

Actualmente tengo obras en la Galería Ana Rubio de Oropesa del Mar, para la exposición de este verano (Julio y Agosto), tengo obras en la galería Carré d´artistes en Aix-Provence (Francia) y también se pueden ver obras mías en: Feel and Flow (Madrid) y Tenda d´art Porcar, Enquadres, Imagenarte y Luis Edo en Castellón. También podéis seguir mi trabajo a través de las redes sociales:

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