Hemos tenido el grandísimo placer de tomarnos un café con Carmela Tello, ceramista castellonense con una larga trayectoria, que nos ha conquistado tanto por su obra como por su persona. Gracias por tu colaboración y te deseamos la mejor de las suertes en todos tus proyectos.

P.- Como castellonense, ¿qué se siente al recibir el premio ‘Ciutat de Castelló?

R. Recibir un premio siempre es una motivación para seguir adelante. Cuando además es el que otorga tu ciudad, aún lo aprecias más.

Como es un premio que tenía ganas de ganar por ser de Castellón, ya había optado anteriormente, quedando entre los finalistas en varias ocasiones. O sea que he sentido una gran alegría.

P. No ha sido su primer premio, ya que anteriormente han habido otros, ¿cuál ha sido el galardón más significativo?

R. Sin duda alguna éste. Estamos en la tierra de la cerámica, es un concurso para ceramistas, es mi ciudad y ganarlo ha sido una gran satisfacción.
Por las mismas razones, también he valorado mucho el premio de la Diputación de Castellón de escultura cerámica del 2018, que también he ganado.

Por otro lado, gané el concurso de instalaciones en CERCO 2016, en Zaragoza, que supuso un reto por el gran formato de mi obra “VAIVÉN, que incluía 1.278 botellas de vino y 113 piezas cerámicas. Fue una gran experiencia.

P. Cuando la lejanía me pareció cercana’, así has bautizado tu obra. ¿Responde a algún aspecto o etapa de tu vida reciente? ¿Por qué ese nombre?

R. Pues tiene un doble significado. Por un lado cuando estaba realizando la obra, tenía la posibilidad de mirar a la lejanía, mientras que mi trabajo lo tenía entre mis manos.

Por otro, en esta etapa de la vida tengo a muchos seres queridos muy lejos, pero a la vez estamos en contacto permanente, lo cual nos acerca en el día a día.
Eso se ve representado por las líneas paralelas y largas que suben hacia la lejanía, pero que acaban todas en un punto, en el más alto y por tanto más cercano a mí. La irregularidad y la profundidad de las formas, acentúan esa sensación de lejanía y a la vez proximidad.

P.-El jurado ha calificado la obra de “original” y de “impactante belleza”. ¿Añadiría algo más?

R. Ha sido muy grato para mí que hayan dicho esto de la obra.

Era el comienzo de una nueva línea de trabajo, por tanto la he realizado con mucho cariño. Además he necesitado paciencia y mucha concentración, y el resultado ha sido precisamente lo que esperaba.
Me alegró mucho conocer estos comentarios porque además el jurado era muy cualificado y por tanto valoro mucho estas opiniones.

P. – ¿Cuándo y cómo empezó tu carrera como ceramista?

R. Tuve que dejar mi trabajo de formación científica cuando por motivos familiares nos fuimos a vivir a Francia varios años.

Cuando regresamos, necesitaba dar un giro a mi carrera, y me matriculé en el ciclo de cerámica de la “Escola d’Art y Diseny” de Castellón. Descubrí que la cerámica era para mí una pasión y desde entonces no he dejado de trabajar con el barro. De esto hace ya 15 años, y espero seguir disfrutando muchos más

P.- ¿Qué materiales sueles utilizar en tus obras?

R.Trabajo con dos materiales principalmente, gres y porcelana. Por tanto cuezo a alta temperatura.
Y como muchas veces utilizo moldes, también uso porcelana de colada, que en muchas ocasiones coloreo con pigmentos obteniendo los objetos ya coloreados. Por supuesto no hay que olvidar la importancia de los esmaltes, que son los que dan el toque final a las piezas.

Por otro lado como me gusta hacer instalaciones cerámicas, combino este material con otros procedentes de reciclado como varillas de hierro, alambres, botellas de vidrio, telas, ramas…

Pero soy muy versátil, y también hago joyería, colgantes de porcelanas coloreadas, cerámica utilitaria, elementos decorativos, trofeos…

P. – ¿Ya hay nuevos proyectos en mente?
R. En estos momentos estoy investigando para realizar dos obras diferentes para dos concursos. Porque antes de realizar un proyecto, siempre hay un trabajo de preparación.

Busco qué técnica de trabajo va a ser la adecuada para mis piezas, que tipo de gres o material va a ser mejor, cual es el tamaño en el que la pieza va a funcionar visualmente, que acabado va a realzarla, como presentarla para darle más valor, y un sinfín de cosas pequeñas que hacen que al final el resultado sea el que yo espero.

¡Ya veréis el resultado cuando las acabe!

Visto en: Las Provincias

Visto en: FeriaMarte.com

Visto en: FeriaMarte.com

¿Todavía no conoces Marte?

MARTE es una plataforma para la difusión del arte contemporáneo que realiza actividades durante todo el año y culmina en noviembre con la celebración de la Feria de Arte Contemporáneo de Castellón.

MARTE, que a lo largo de sus cuatro ediciones se ha posicionado como la feria de arte más importante del Mediterráneo, se caracteriza por dirigirse a todo tipo de públicos y por ser la cita ideal en la que iniciarse en el coleccionismo.

Visto en: FeriaMarte.com

Miles de ciudades de todo el planeta han celebrado el pasado 28 de junio el Día del Orgullo LGTB (Lesbianas, Gais, Transexuales y Bisexuales). Una jornada para reivindicar la igualdad y la normalización de algo que muchos insisten en estigmatizar y que incluso ha costado la vida de muchas personas. Por este motivo, el lema de este año ‘Nos manifestamos por quienes no pueden’ hará hondear aún más si cabe esa bandera multicolor, símbolo por excelencia de la celebración.

Pero, ¿quién diseñó la bandera arco iris?. Se trata de Gilbert Baker (Chanute, Kansas, 21 de junio de 1951), un artista y activista que quiso impregnar en su diseño la diversidad del colectivo para ofrecer la idea de libertad. La bandera, que ondeó por primera vez en el orgullo de San Francisco el 25 de junio de 1978, está compuesta de colores cargados de significados.

El rosa de la sexualidad, el rojo de la vida, el naranja de la salud, el amarillo de la luz del Sol, el verde de la naturaleza, el turquesa de la magia y el arte, el azul de la serenidad y el violeta del espíritu.

Es sin duda un icono mundial y por ello en 2003 y para conmemorar el vigésimo quinto aniversario de la bandera LGTB, Baker creó una bandera arcoíris de dos kilómetros que recorría Cayo Hueso desde el Golfo de México hasta el océano Atlántico. Después de las celebraciones, envió diferentes secciones de la bandera a más de cien ciudades de todo el mundo.

Con el paso del tiempo y debido a varios factores, la bandera original tuvo que ser modificada hasta configurar el actual emblema de seis colores. Debido a la falta de color rosa en las fábricas, este fue el primer color que desapareció, curiosamente el de la sexualidad. Posteriormente, la falta de contraste entre los colores centrales remodeló la bandera hasta la que ha llegado hasta nuestros días.

Por su parte, la bandera del orgullo bisexual fue diseñada por Michael Page para representar a la comunidad bisexual. Apareció por primera vez en 1998 dando respuesta a otros símbolos que se usaban en el momento, como los triángulos y azul sobrepuestos, que no servían como bandera o bien eran marcas registradas.

En sus franjas el color magenta superior representa la orientación homosexual y la inferior de color azul representa la orientación la heterosexual. La linea del espacio central, de color lavanda, representa la combinación de ambas orientaciones.

Desde entonces ambas banderas son los emblema más significativo de estos colectivos y de todos aquellos que quieren apoyar de una otra manera la libertad sexual de las personas. Establecimientos, negocios, asociaciones e incluso partidos políticos la han usado para hacer gala de que el amor y los gustos sexuales nada tienen que ver con las normas establecidas.

Visto en: audaciacomunicacion

El barcelonés ha propuesto para la ocasión una exposición colectiva que, con el título de “Los sujetos”, presentará trabajos de Francesc Ruiz, Pepo Salazar y el dúo formado por Helena Cabello y Ana Carceller.

¿Por qué has optado por una propuesta colectiva para nuestro Pabellón y qué pistas nos da sobre la muestra el título de “Los sujetos”?

Creo que es importante romper el ritmo. Estábamos algo acostumbrados en las últimas ediciones a propuestas individuales, aunque con tipos de proyectos muy diferentes entre sí. En esta edición hacemos un cambio importante en lo que refiere no únicamente en el número de participantes sino también la concepción temporal del propio Pabellón. Tres propuestas artísticas en presente y un hálito que aparece y sirve como link entre pasado y actualidad. También se busca, de algún modo, un cambio en la recepción del pabellón. Seguramente va más de descubrir que de reconocer, va más de ofrecer un contacto digamos sensual que una afirmación. Y va de potencia, de posicionamientos fuertes.

“Los Sujetos”: bien, el título es bastante indicativo. Se trata de puntos de partida, se trata de opciones en las que se definen lenguajes de activación, se trata de asumir cierta responsabilidad en la construcción común desde lo particular. Sujetos fuertes, asumiendo la duda -también- como material lingüístico en el trabajo artístico. Aún estamos en la construcción política del sujeto y creo que es algo clave en un contexto de crisis como el actual.

Ya en “Contarlo todo sin saber cómo”, en el CA2M, propusiste una suerte de exposición sin exposición, con una novela protagonizada por los artistas participantes como catálogo. En esta ocasión, ¿cómo se hará presente Dalí en una muestra sin obra suya? ¿Qué tipo de acercamiento a su personalidad plantearán Cabello y Carceller, Francesc Ruiz y Pepo Salazar?
Dalí es un tono, es un marcador, es un sistema de entrada, es una base. Me apasiona la creación de sujeto público-privado en Dalí. Alguien que sabe muy bien qué tipo de imagen pública debe ofrecer. Una imagen no plana, una construcción en capas. Y hay varios temas que intentaremos destacar, temas que a lo mejor han sido ensombrecidos por la potencia comercial de la obra de Dalí. No tendremos obra, tendremos miradas al sujeto. Y Cabello/Carceller, Francesc Ruiz y Pepo Salazar no van a realizar necesariamente un trabajo sobre o a partir de Dalí. Son ellos y es su trabajo, pero hay algunas conexiones y links que nos sirven para -también- tejer otra historia del arte contemporáneo. Allí estarán, pero sería algo estúpido pedir a los artistas que “ilustraran” algo. Y menos en Venecia. En Venecia lo importante son los artistas y la potencia de su trabajo, la Bienal tiene una función clarísima en el entramado artístico internacional. La idea es tejer algo así como un discurso basado en saltos en el tiempo pero siendo conscientes de cada posición.

En esta edición hacemos un cambio importante en lo que refiere a la concepción temporal del Pabellón. Tres propuestas artísticas en presente y un hálito que aparece y sirve como link entre pasado y actualidad.

 

¿Qué papel tendrá el formato entrevista en “Los sujetos”?

Me gusta pensar en las distintas aproximaciones y usos de las exposiciones. Meter entrevistas en una exposición, y en este caso en el pabellón, permite ofrecer otro tipo de contacto con los contenidos. No es lo mismo leer un texto que ver a alguien hablar sobre un tema. Hay algo de proximidad en la entrevista que la acerca a ese tipo de tono de cuidado, en el que te estás acercando a quien quiera acercarse. Y es Venecia, con lo que el tipo de consumo de la exposición es muy particular, tienes que encontrar un primer contacto. Las entrevistas son una vía para ello, así como son una vía para manifestar el tipo de aproximación que queremos hacer al sujeto Dalí, a las miradas sobre el sujeto. Bueno, ya veremos cómo salen. También aquí hay riesgo, que es algo que me interesa.

Suponemos que esperas la pregunta: en tu opinión, ¿qué función deben desempeñar los pabellones nacionales en el contexto de la Biennale?

Lo que está clarísimo es la función que los pabellones nacionales desempeñan en Venecia. No sé si es la que “deben” desempeñar pero son muchos años y una tradición que conlleva que hay una base con la que trabajar. Es representación a máximo nivel, es visibilidad para trabajos artísticos, es generar interés internacional. Y hay una enorme cantidad de público, no nos olvidemos. Público primero profesional y después general. Y en paralelo está la percepción “local” en cada país de origen. Lo que pasa en Venecia afecta y mucho en los distintos contextos artísticos locales o nacionales. Nosotros tenemos una bonita tradición destructiva común que implica que en Venecia básicamente vas a recibir de todos lados, también es importante asumirlo antes de empezar. Podemos hacer ajustes o desajustes, pero es clave reconocer el contexto en el que te metes o estás perdido.

Por las noticias que tienes, ¿a qué otros pabellones de la Biennale nos recomiendas prestar atención?

En Venecia hay dos tipos de pabellones: los celebrativos y los de descubrimento. Si vamos a reconocer nos perdemos la segunda opción, así que en el momento actual no puedo descartar nada. En momentos de visita en una bienal tienes que estar muy atento y abierto a la sorpresa, también las informaciones previas o las directrices pueden conllevar que pierdas la capacidad crítica en la recepción, con lo mejor estar algo distanciado de las listas de lo que se tiene que ver… aunque todo se andará, se define de un modo informal e in situ.

¿Puedes hablarnos de tus próximos proyectos? ¿Qué repercusiones esperas que este comisariado del Pabellón español tenga en tu carrera?

Ni idea. Soy freelance. Trabajo en presente y no soy demasiado bueno haciendo planes futuros. Ya me encantaría tener una buena táctica, pero me meto “demasiado” en cada proyecto cuando estos están sucediendo como para estar en el siguiente paso. Creo que mis hijos en algún momento me lo echarán en cara, ya que evidentemente trabajar como freelance implica un enorme factor de inseguridad.

¿Podrías recomendarnos cuatro o cinco artistas jóvenes a los que seguir la pista? ¿y algunas publicaciones sobre crítica y comisariado que te resulten especialmente interesantes?

La etiqueta de “joven” en los artistas empieza a preocuparme. No consideraríamos a Tino Sehgal como joven aunque algunos le podrían meter en este saco. No lo sé, así a bote pronto: Regina de Miguel, Teresa Solar, Rubén Grilo, Alex Reynolds, Ana García Pineda, David Bestué, Núria Güell… pero no es una lista pensada, podría seguir con veinte nombres más y sería igual de injusto. Respecto a publicaciones sobre crítica y comisariado: Me apasiona la escritura de Chris Kraus, me gusta el estilo de Dave Hickey, vuelvo de vez en cuando a un libro de Pavel Büchler de 1999, “Chronology” de Daniel Birnbaum es fascinante, Dorothea von Hantelmann ha dado en el clavo al acercar Butler y Austin desde el arte contemporáneo, Nina Möntmann abrió un campo en lo institucional, Peio Aguirre es una de las voces propias que mejor mezclan la crítica desde lo emocional y la teoría “fría”… y después tenemos el campo literario con su metacrítica: Michael Cuningham, Siri Hustvedt, Enrique Vila-Matas, William Gaddis…

Visto en: masdearte.com

Lorenzo Lotto es uno de los pintores más fascinantes del Renacimiento italiano y a la vez uno de los más desconocidos para el gran público.

Su obra introduce nuevas referencias geográficas, culturales y sentimentales que harán que su pintura sea considerada un punto de inflexión desde el Renacimiento hacia futuros movimientos estéticos.

Coincidiendo con la exposición “Lorenzo Lotto. Retratos”, el Área de Educación del Museo del Prado organiza un Congreso Internacional en el que reconocidos especialistas en la obra de este pintor analizarán diversos aspectos de su trayectoria.

PROGRAMA

24 de septiembre

09:00 horas

Recepción, acreditación, control de firmas y entrega de documentación.

09:15 horas

Presentación del Congreso.

Miguel Falomir Faus, Director del Museo Nacional del Prado.

09:30 horas

The Portrait in Renaissance Italy and Lorenzo Lotto: Past, Present, and Future.

David Ekserdijan, University of Leicester.

10:15 horas

Portraits with books: an examination of books in the paintings of Lorenzo Lotto and his contemporaries.

Nicholas Pickwoad, University of the Arts London.

11:30 horas

Lorenzo Lotto, amici e committenti: nuovi dati su relazioni e contesti lotteschi fra Bergamo, il Veneto e le Marche.

Francesca Coltrinari, Universitá di Macerata.

12:15 horas

Arte e diplomazia: Sigismondo Gonzaga committente di Lorenzo Lotto.

Francesco de Carolis, Universitá di Bologna.

13:00 horas

Aspetti della committenza veneziana di Lorenzo Lotto.

Renzo Fontana, Università di Venezia.

15:30 horas

Con e senza ritratto. Una nuova Adorazione del Bambino di Lorenzo Lotto.

Simone Facchinetti, Museo Bernareggi, Bergamo.

16:15 horas

Il Giovane prelato nel suo studiolo del British Museum: una proposta di riconoscimento.

Peter Luedemann, Investigador independiente.

17:00 horas

Il Putto e la bilancia nel ritratto Doria: nuovi spunti.

Stella Cibati, Investigadora.

25 de septiembre

09:15 horas

Entrada y control de firmas.

09:30 horas

Il Ritratto dei conjugi dell’Ermitage: un nuovo sguardo.

Irina Artemieva, Museo dell’Ermitage. San Petersburgo.

10:15 horas

Lorenzo Lotto’s portraits: materials, technique and surface effects.

Marika Spring, National Gallery, y Ana González, Museo del Prado.

11:45 horas

Lorenzo Lotto: Ritratti ritoccati, copiati, falsificati.

Enrico Dal Pozzolo, Universitá di Verona.

15:30 horas

Tra volti nascosti e intenzioni manifeste. Attorno ai criptoritratti di Lorenzo Lotto.

Valentina Castegnaro, Universitá di Verona.

16:15 horas

The Challenge of Lotto’s Drawings.

Matthias Wivel, National Gallery of London.

17:00 horas

Lotto and Holbein.

Andrew John Martin, Munich.

LUGAR:

Auditorio del Museo del Prado.

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